10 lezioni che Pablo Picasso può insegnare (sulla fotografia – n.d.t.)

ERIC KIM [trad. di Domenico Pescosolido]

http://erickimphotography.com/blog/2016/10/11/10-lessons-pablo-picasso-can-teach-you/

Pablo Picasso è stato uno degli artisti più prolifici, creativi, e fonte di ispirazione che sia mai vissuto. Ecco un uomo che ha creato il suo proprio destino - che costantemente si è reinventato (indipendentemente da quello che hanno detto i suoi critici), ha sempre creato di arte, e si è divertito (come un bambino).

Credo che molti di noi possono imparare dalla sua personale filosofia, e, soprattutto, dal suo lavoro, e da come ha vissuto la sua vita.

Qui di seguito ci sono alcune lezioni che ho imparato da lui, e come sono stato in grado di inserirle nella mia vita:

1. Create come un bambino

"Ogni bambino è un artista. Il problema è come rimanere un artista una volta che cresce "-. Picasso

Ti ricordi quando eri bambino? Quando non c’erano limiti o restrizioni alla tua creatività?

I tuoi genitori potrebbero averti dato un foglio di carta e alcune matite. Scarabocchiasti su quella carta, ed hai espresso la tua curiosità infantile. Non avevi il concetto di "buono" o "cattivo" nell'art. Non eri costretto a colorare all'interno delle linee.

Poi si invecchia, e i nostri insegnanti ci dicono cosa non fare. Ci dicono di colorare dentro le righe. Ci dicono le "regole" dell'arte.

Il nostro interno-bambino muore. Diventiamo adulti. Non siamo più creativi come eravamo inizialmente.

Picasso ci ha detto che ogni bambino è un artista. Ma come possiamo rimanere artisti quando si invecchia?

Il mio suggerimento: dimenticare le regole che gli altri impongono su di voi. Piuttosto, provare solo a giocare e a divertirsi. Esprimi te stesso, senza un censore interno che ti dice di fare altrimenti. Non chiedere ad altri il loro feedback sulla vostra arte. Un bambino non ha bisogno di approvazione da parte degli altri sulla sua arte. Essi creano l'arte per il gusto di farla - perché è divertente.

Un'altra citazione da Picasso, che illustra il punto di rimanere come un bambino:

"Mi ci sono voluti quattro anni per dipingere come Rafael, ma una vita per dipingere come un bambino." - Pablo Picasso

Quando iniziamo il nostro apprendistato nell'arte, ci viene detto di copiare il lavoro dei maestri. Impariamo composizione, forma e luce. Lavoriamo duramente per creare imitazioni dei capolavori.

Tuttavia quando abbiamo finito il nostro apprendistato, abbiamo bisogno di imparare a "uccidere i nostri maestri". Per non lasciare che la loro influenza ci freni.

Significa imparare le regole fondamentali, ma sapere come romperle.

Più esperti si diventa in arte, tanto più è necessario "disimparare" le "regole".

Pensate all'opera di Picasso. Ha cominciato con l'essere in grado di creare imitazioni iper-realistiche dei grandi artisti. Inoltre, l'errore comune è che tutto il lavoro di Picasso siano le opere cubiste astratte.

Non è correto - Picasso sapeva come disegnare un diavolo di convincente still-life. Picasso ha saputo fare opere d'arte iper-realistiche.

Una delle cose più affascinanti sul lavoro di Picasso è come fosse in grado di distillare l'immagine nella sua essenza. E per farlo, Picasso ha dovuto scavare in profondità nella sua mente infantile, e creare con spontaneità, divertimento e originalità.

Esercizio:

Osservate un bambino per un giorno. Guardate come ogni esperienza è nuova per lui. Ogni esperienza è divertente, ed è la possibilità di crescere e imparare.

Un bambino non ascolta le regole. Fanno a loro piacimento. La loro creatività è massima.

Ora osserviamo gli adulti - come siamo bloccati nei nostri cubicoli e lavori d'ufficio. Ci è stato detto a rispondere alle e-mail entro un'ora. Ci viene detto di rispettare le regole, leggi e restrizioni. Siamo costantemente giudicati e criticati.

Mentre si invecchia, non cerchiamo di diventare più maturi. Invece, cerchiamo di diventare più infantili quando si invecchia. Cerchiamo di essere come Benjamin Button - età in senso inverso.

Attingete dal vostro bambino interno, e create arte senza restrizioni. Questo è il modo in cui ci si può veramente esprimere creativamente.

Si potrebbe volere tutta la vostra vita per diventare un bambino, come diceva Picasso: "Ci vuole molto tempo per diventare giovani".

2. Rubare buone idee

Ci sono due versioni di un preventivo che sono accreditate a Picasso:

·         "I buoni artisti copiano, i grandi artisti rubano".

·         "I cattivi artisti copiano. I buoni artisti rubano ".

Per me, l'essenza della citazione significa questo: prendete le migliori idee di coloro che sono venuti prima di voi. Ma non semplicemente imitare i maestri punto per punto. Piuttosto, trasforma la tua arte in qualcosa di nuovo.

Non esiste una cosa come "originale" senza trarre ispirazione dagli altri. Siamo tutti una raccolta delle nostre esperienze di vita, come parte di una società.

Quando stiamo affacciandoci al campo della fotografia, abbiamo bisogno di imparare gli aspetti tecnici fondamentali, circa l'esposizione, la luce, l’ombra, e la composizione. Quando stiamo iniziando la pittura, abbiamo bisogno di imparare a dipingere come i maestri. Quando iniziamo nella campo della musica, si impara a giocare con le nostre scale.

Tuttavia, se si desidera creare un lavoro davvero originale che esprima voi stessi – bisogna trarre ispirazione da risorse come si può. Ma allora, vedrete come sia possibile aggiungere la propria visione su di esse. Vedrete come sia possibile rimescolare un pezzo d'arte del passato, e aggiungere la vostra interpretazione.

Chiedetevi sempre: "Che cosa è una cosa un po' nuova che posso apportare al tavolo?"

Spesso i migliori scrittori non sono quelli che fanno le storie più originali. Piuttosto, prenderanno le vecchie idee delle storie, e le aggiorneranno in qualcosa di più moderno per il lettore contemporaneo.

Un fotografo trarrà ispirazione da maestri della fotografia del passato, ma utilizzare i nuovi progressi tecnologici per creare un nuovo tipo di immagine che ispirerà il pubblico contemporaneo.

Esercizio:

Chi può spudoratamente rubare le idee da qualcuno, senza provare vergogna?

Non sentitevi come se aveste la necessità di essere "originali" nella vostra vita creativa. Ruba da qualsiasi fonte o maestro sia possibile.

Eppure cercate come si può inserire la propria visione in esso - fondete la vostra anima con la fonte di ispirazione, e fare qualcosa di nuovo.

Così, per questo esercizio, trovate uno dei maestri della fotografia di cui si ammira il lavoro, e spudoratamente rubate le loro idee, la tecnica e lo stile. Provate a fare le vostre foto come le sue, ma fatelo in modo unico. Continuare a fare ciò finché ci si annoia, e provate con altri 2 o 3 maestri.

Rimescolare il vecchio, e renderlo contemporaneo.

3. Non si può avere successo senza azione

"L'azione è la chiave fondamentale per ogni successo." - Picasso

Abbiamo un sacco di grandi idee. Condividiamo queste idee con i nostri amici, le nostre famiglie e noi stessi.

Ma come raramente abbiamo effettivamente messo in atto le nostre idee?

Picasso diceva che "l'azione è la chiave fondamentale per ogni successo." Ha senso. Se sei un pittore o un artista, non si può avere "successo" senza creare arte. Allo stesso modo, se sei un fotografo, non è possibile effettuare alcuna foto di "successo" senza cliccare il pulsante di scatto.

Esercizio:

Come si può agire nella tua vita fotografica?

Se si sta iniziando un business, qual’è è il primo passo perseguibile che si può fare?

Ad esempio, vuol dire fare un post per i vostri servizi? Oppure chiamare a freddo un cliente? O partecipare ad un convegno?

Non scrivere un elenco dei tuoi sogni fotografici, basta farne come liste di azioni.

Ad esempio, è stupido avere un obiettivo come "guadagnare un milione di seguaci sui social media." Ha più senso avere un obiettivo perseguibile come "caricare solo il mio lavoro migliore, una volta (o più) al giorno".

Se si vuole fare foto migliori, il vostro compito può essere: studiare tutte le foto di Henri Cartier-Bresson nel suo portafoglio, stampare quelli che vi piace con la stampante di casa, e traccia le linee delle sue composizioni con una penna rossa, e cercare di decostruire le sue immagini.

Non abbiate un'"idea" completa - abbiate una mentalità d’"azione".

4. Utilizzate quello che avete

"Se non ho rosso, io uso blu." - Picasso

Picasso era noto per aver attraversato certe fasi - quando dipinse solo con un certo colore o tonalità. Per esempio, durante "periodo blu" di Picasso (Periodo Azul) ha fatto solo dipinti monocromatici con i freddi colori blu / blu-verde. Questi dipinti tendevano ad avere un lato lunatico e malinconico.

Poi in contrasto a questo periodo, Picasso ha abbracciato un "periodo rosa" (1904-1906), in cui ha utilizzato solo i colori arancio e rosa, che erano molto più caldi, e vivaci nello spirito.

Quando gli è stato chiesto perché aveva fatto ciò - disse che quelli erano gli unici colori che aveva.

Quello che ho trovato grandioso in ciò è dimostrare come si possa aver bisogno di pochi nella vostra tavolozza per fare della grande arte.

Come fotografi, ci si lamenta di non avere abbastanza attrezzatura, lenti, o fotocamere. Se vogliamo essere come Pablo ed essere più creativi, bisogna limitare la nostra tavolozza. Prendere i pochi colori che già abbiamo, e fare del nostro meglio con essa.

Esercizio:

Scegliere un certo colore, tonalità, o una tavolozza e incollarsi esso per un mese. Per un mese, sparare solo i colori rossi o colori blu. Solo sparare cerchi o triangoli.

attaccare solo con una telecamera e un obiettivo.

Vedere limitando le scelte creative, quanto creativo si può ottenere.

5. Dipingete la vostra realtà

"Il mondo non ha senso, quindi perché dovrei dipingere immagini che ne hanno?" - Picasso

Essere un artista significa creare il mondo che si desidera vedere. Significa anche mostrare agli altri quello che si vede nella realtà.

Picasso è frainteso solo perché è un artista astratto. Ma prima ha intrapreso le sue epiche immagini cubiste, ha imparato la pittura realistica.

Ma ciò che amo del suo lavoro è che esso evoca emozioni, confusione e il caos della realtà. Esso non mostra la realtà come box interni perfetti e costruiti. Piuttosto, Picasso si ribellò contro le caselle in cui altri artisti sono stati bloccati, ed ha costruito la sua versione della realtà.

Esercizio:

Fotografate la vostra realtà. Invece di fare le foto di messa a fuoco, incise, e 'reali' - cercare di renderle come 'irreali' come possibili. Fai la tua foto sfocata, fuori fuoco, e granulosa. Aumenta il contrasto, i colori, e la saturazione. Cercate di post-produrre le foto che evocano una certa emozione rispetto alle vostre immagini.

Prova a creare immagini che evoca come ci si sente, piuttosto che come la scena sembrava nella "vita reale".

6. Eliminate il superfluo

"L'arte è l'eliminazione del superfluo." - Picasso

Più studio gli artisti, più mi rendo conto di quanto l'arte riguardi più la sottrazione e l'eliminazione del superfluo - piuttosto che l’aggiunta.

Un buon esempio del metodo di lavoro di Picasso è stato quello di vedere i suoi studi sulla "decostruzione di un toro." Vedete come ha iniziato con una forma realistica di un toro, e ottenere sottraendo, fino a raggiungere quello che considerava l '"essenza" del toro.

I grandi artisti fanno questo. Quando si tratta della filosofia progettuale di Steve Jobs, è stato sempre ossessionato dall'eliminazione delle cose inutili - pulsanti eliminando, aggiunte confuse nell’interfaccia utente, e la complessità.

Lo Zen e maestri taoisti dicono anche questo - per diventare un maestro bisognerebbe eliminare una cosa superflua tutti i giorni, piuttosto che aggiungere una cosa al giorno.

Esercizio:

Trovate una scena che ritenete interessante e che desiderate fotografare. Vedere come si può decostruire la scena, pezzo per pezzo. Eliminate dall’inquadratura, fino a quando si rimane con ciò che si considera l'"essenza" dell’inquadratura.

Tagliare via tutto il grasso superfluo dai bordi dell’inquadratura, allora vi sarà rimasta solo la sostanza.

7. Non ripetete voi stessi

"Copiare gli altri è necessario, ma copiare se stessi è patetico." - Picasso

Se si vuole rimanere freschi come artisti, si deve evitare di copiare se stessi più e più volte. Questo è ciò che porta alla stagnazione.

Se siete un bodybuilder, e si vuole aumentare l'intensità del vostro allenamento - aumentate più ripetizioni o più peso. Se sei un artista, si vuole allungare le capacità creative. Si potrebbe ancora lavorare con lo stesso Materiale - ma si desidera aggiungere sfida al processo di lavorazione, per creare nuove opere che siano almeno un po' diverse rispetto al lavoro che hai fatto prima.

Sento che questo è ciò che ci può aiutare a rimanere motivati utta la nostra vita. Picasso ha attraversato molte evoluzioni differenti della sua vita artistica. Ogni volta che si sentiva come se stesse diventando compiacente, ha totalmente commutato il suo stile. Ha mantenuto la sua immagine in pubblico- non hanno mai saputo quale sarebbe stato il suo prossimo dipinto o pezzo.

Picasso sperimentò moltissime forme diverse tutta la sua carriera. Anche se è stato meglio conosciuto per la pittura, ha anche sperimentato  la poesia, la fotografia, la scultura, e altre forme d'arte. Ha continuato a spingere ai suoi limiti, esprimersi in tanti modi creativi diversi possibili.

Picasso continuamente visse i pericoli del "successo" in arte. Una volta che ci sentiamo "di successo" - ci fermiamo di  innovare:

"Il successo è pericoloso. Si comincia a copiare se stessi, e copiare se stessi è più pericoloso che copiare gli altri. Essa conduce alla sterilità " - Picasso

Esercizio:

Dimenticate il vostro vecchio lavoro. Eliminare le vostre vecchie foto fuori dalle reti di social media, o almeno segnatevi come privato.

Fingete come se oggi si stia iniziando la vostra fotografia di nuovo da zero. Quali dei vecchi metodi di ripresa del passato sarebbe utile non fare? Come ci si avvicina alla costruzione di un’immagine da una prospettiva o angolo diverso?

Questo significa per voi fotografare soggetto diverso? Vuol dire catturare diverse emozioni e gesti nelle immagini?

Qualunque cosa significhi per voi, non smettere mai di innovare.

8. Vendete voi stessi, non la vostra arte

"Artista è una persona che dipinge ciò che si può vendere. Un buon artista è una persona che vende ciò che dipinge " - Picasso

Un altro grosso errore che gli artisti fanno è cercare di creare arte che soddisferà un pubblico, in modo da poter vendere le loro opere.

Picasso ci insegna il contrario: il grande artista è colui che si vende, e ciò che dipinge.

Come esseri umani, noi vogliamo essere amati, apprezzati, e sostenuto da altri. Come fotografi, vogliamo fare immagini che siano ammirati da altri.

Ma la differenza tra l'essere nella media e essere un grande sta in questo - i grandi artisti si attaccano alla loro singolare visione. Senza compromessi. Vanno contro corrente, e creano cose che potrebbero creare scompiglio. Il loro lavoro potrebbe non essere apprezzato ampiamente, ma trovano un piccolo gruppo di persone a cui piace intensamente il loro lavoro. E questo è ciò che li rende di successo - rimangono fedeli a se stessi.

Esercizio:

Interrompere il caricamento di foto su social media per una settimana o un mese. Fare delle foto in cui ci si sente davvero creativi, innovativi e unici nel proprio genere. Non chiedere ad altri il loro parere sul vostro lavoro. Segui il tuo cuore e intestino.

Poi fate una serie di immagini, stampatele, e vedete se sia possibile venderle a persone che conosci, o online.

Non misurate il vostro successo da quanto si può vendere, ma usate questo esercizio per darvi fiducia nel lavoro che si crea.

9. Non procrastinate ciò che è importante

"Rimandare a domani solo ciò per cui si è disposti a morire lasciandolo non fatto." - Picasso

Picasso è stato uno degli artisti più prolifici della storia. Come ha fatto? Semplice - ha procrastinato su cose poco importanti, e si è concentrato senza sosta su quello ciò che era importante per lui (la sua arte).

Anche Picasso era famoso per essere un animale sociale, quando era il momento per lui di dipingere e di lavorare - si chiudeva fuori dal mondo. Sapeva che per creare i suoi grandi capolavori aveva bisogno di silenzio per pensare, meditare e per creare la sua opera.

E' facile per noi procrastinare le nostre vite. Credo che rimandare sia una buona cosa, se usata nel modo giusto. Procrastinare solo su ciò che sarebbe bene lasciare incompiuto se si dovesse morire domani. Ma non procrastinare funzioni della vostra vita - il vostro lavoro creativo.

Esercizio:

Scrivete una lista di cose che vanno bene se siano lasciate incompiute se si morisse. Quindi scrivete un elenco di cose per le quali ci si sentirebbe frustrati se si lasciassero incompiute se si morisse.

Concentratevi su ciò che è più importante per voi, e procrastinare sul resto.

10. Regalate il vostro dono

"Il senso della vita è quello di trovare il vostro dono. Lo scopo della vita è quello di regalarlo. " - Picasso

Tutti noi abbiamo un dono con il quale possiamo aiutare gli altri. Abbiamo un regalo per farne altri - un dono che può aiutare gli altri a migliore la loro versione di se stessi.

Il vostro regalo può essere la vostra capacità di fare belle immagini, per rendere le parole in movimento, per dimostrare amore e compassione, o per essere un buon amico o un familiare.

Qualunque sia il vostro regalo della vita - trascorrete tutta la vita dando qualche cosa agli altri. Questo è ciò che si sente per gratitudine, responsabilizzazione e felicità nella vita.

Che cosa succede se non si sa quale sia il dono della vita? Questo va bene - la maggior parte della vita si cerca di scoprire quale sia il loro dono. Molti non trovano il loro dono fino alla vecchiaia e poi una volta che l’hanno scoperto, trascorrono tutta la loro vita distribuendo il loro dono.

Ci sono molti musicisti, artisti e registi che hanno solo iniziato in età avanzata. E quello era il momento giusto per loro - avevano abbastanza esperienza di vita, risorse e finanze per intraprendere il lavoro creativo che erano destinati a fare.

Non forzarlo. Se conoscete quale sia il vostro dono, concentratevi su contribuire il più possibile per gli altri. Se non si conosce il dono della vita, non smettete di cercare. Non accontentarsi di niente di meno.

Guardate che cosa delle vostre attività crea il massimo valore per gli altri - non per voi stessi. Guardate come dare potere, eccitare, o motivare gli altri. E’ questo il vostro consiglio, la vostra voce, le vostre azioni, la vostra arte, o qualcos'altro?

Per quanto mi riguarda, penso che il mio regalo è il blogging. Blogging è molto piacevole per me, e le parole fluiscono dalle mie dita. Non è mai noioso, e non ho mai dovuto sforzarmi di farlo. E raggiunge il maggior numero di persone attraverso internet, e spero che incoraggio anche gli altri nella loro fotografia, la loro vita, e il processo creativo.

Esercizio:

Scrivete una lista di talenti, passioni e valori che avete nella vita. Pensate a come si crea il massimo valore per gli altri. Pensate a come si possono aiutare ancora di più le persone. Quali sono alcune distrazioni che potreste escludete dalla vostra vita, in modo da poter aggiungere più tempo, energia, e mettere a fuoco il dono della vostra vita?

Conclusione

Picasso era un raro uomo che visse secondo i suoi propri standard, ed è stato creativo fino alla morte. Non ha lasciato nulla di incompiuto. Ha allungato e ha spinto i suoi confini artistici, ed è stato prolifico all’inverosimile. Ha giocato come un bambino, sperimentato, e sempre messo in discussione l'autorità e le "regole".

Tutti noi possiamo vivere una vita creativa come Picasso. Significa solo ricollegarsi con il nostro bambino interiore, e vedere il nostro lavoro creativo come un gioco. Significa non scendere a compromessi con i nostri standard artistici, e sfruttando al meglio l'arte a prescindere dalla nostra situazione di vita.

Quindi riscoprite il bambino interno che è in voi, e divertitevi.

Sempre, 
Eric

Mai smettere di imparare

10 Cose che Garry Winogrand può insegnarvi sulla street photography

Dopo Sergio Larrain, ancora una traduzione dal blog di Eric Kim. Questo pezzo su Garry Winogrand non è solo un esempio su come lavorava un garnde fotografo ma un manifesto di come si affronta la street photography, una fotografia che diventa un’attività per capire il mondo e la vita.

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Garry Winogrand, World’s Fair, New York City, 1964. Tutte le fotografie in questo articolo sono copyrighted by the estate of Garry Winogrand

Garry Winogrand è uno dei miei street photographers preferiti dal quale ho appreso molta intuizione fotografica e saggezza.

Egli fu indiscutibilmente uno dei più prolifici e appassionati street photographers del suo tempo (scattò durante sua carriera più di 5 milioni di fotografie). Tuttavia, egli odiava il termine “street photographer” e semplicemente si definiva un “fotografo”. È un’idea che ho capito tardi e la rispetto molto, Winogrand era più interessato a fare fotografie piuttosto che a classificare se stesso per gli storici dell’arte.

Non ho mai capito troppo le cose che ha detto sulla fotografia come il motivo per il quale si dovrebbe attendere una anno o due prima di sviluppare i propri scatti, perché le fotografie non raccontano storie, o come i fotografi scambiano l’emozione per ciò che rende grandi le fotografie. Anche se non ho davvero capito quello che stesse dicendo, ero incuriosito.

Dopo aver fatto molte ricerche su Winogrand e scoperto di più sulla sua filosofia nel campo della fotografia, ho scoperto un tesoro. Nonostante non sia un esperto su Garry Winogrand, egli ha influenzato profondamente la mia street photography. Vorrei sottoporvi questo articolo per illustrare alcune cose che Winogrand ha insegnato ai suoi ex allievi (la maggior parte delle citazioni sono da “Class Time with Garry Winogrand by O.C. Garza” e “Coffee and Workprints: A Workshop With Garry Winogrand” by Mason Resnick).

Se volete apprendere di più su ciò che insegnò Garry Winogrand, leggetelo!

1. Scattare, molto

Garry Winogrand scattò molte fotografie. Per darvi un senso di quanto scattò, leggete questo resoconto di riprese per le strade fatto da un suo ex studente.

”Come siamo usciti fuori dall’edificio, ha avvolto il cinturino in pelle della Leica intorno alla mano, verificato la luce, regolato rapidamente la velocità dell’otturatore e il diaframma. Sembrava pronto a balzare sulla preda. Siamo usciti fuori e lui era già sparito.

Abbiamo imparato rapidamente la tecnica di Winogrand — lui camminava lentamente o si trovava in mezzo al traffico pedonale con le persone che gli passavano attorno. Egli scattò in modo prolifico. Lo vidi camminare per un breve isolato e scattare un intero rullo senza rallentare il passo. Appena ha ricaricato, gli ho chiesto se stava male per aver perso delle immagini mentre ricaricava. “No”, ha risposto, “non ci sono immagini quando ricarico”. Lui si guardava costantemente attorno, e spesso vedendo una situazione al di là di un incrocio molto trafficato. Ignorando il traffico, correva attraversando la strada per catturare l’immagine.” — Mason Resnick

Wow, scattare un intero rullo in un breve isolato senza rallentare il passo? Molti street photographers faticano a finire un intero rullo in un giorno, per non parlare di un breve isolato.

Se si vuole vedere quanti rullini ha scattato, è possibile vedere l’immagine della pellicola impressa sul pressa-pellicola della sua M4.

La Leica M4 di Garry Winogrand

Non solo, ma al momento della sua sfortunata e precoce morte (all’età di 56 anni) ha lasciato 2.500 rulli non sviluppati, 6.500 rulli sviluppati ma senza provini a contatto fatti e circa 3.000 rulli con provini a contatto fatti.

In aggiunta a ciò, l’Archivio di Garry Winogrand presso il Center for Creative Photography ha oltre 20.000 stampe pregiate, 20.000 provini a contatto, 100.000 negativi e 30.500 diapositive a colori 35mm e un piccolo gruppo di stampe Polaroid e diverse pellicole cinematografiche amatoriali.

Winogrand ha scattato ad un ritmo che non riusciva nemmeno a vedere le sue foto (perché era sempre in strada a scattare), In una intervista che ha fatto con Barbara Diamonstein lei gli chiede

“Diamonstein: Quando si riguarda quei provini a contatto, nota che qualcosa stava succedendo. Mi sono spesso chiesto come fotografo che scatta decina di migliaia di fotografie — e ormai possono essere centinaia di migliaia — come tiene traccia del materiale. Come fai a sapere ciò che hai, e come fai a trovarlo?

Winogrand: Male. Questo è tutto quello che posso dire. Mi è successo molte volte ed è stato proprio impossibile trovare un foglio di negativo o qualsiasi altra cosa. Ma io sono principalmente solo un uomo, e così le cose si incasinano. Non ho un sistema di archiviazione che vale molto.

Diamonstein: Ma non pensi che sia importante per il vostro lavoro?

Winogrand: Sono sicuro che lo è, ma non posso farci niente. Non c’è speranza. Ho rinunciato. Basta fare un po’ di fatica ogni volta che si deve cercare qualcosa. Ho alcune cose raggruppare per ora, ma faccio fatica a trovarli. C’è sempre roba mancante.”

Winogrand accetta il fatto che non avrebbe mai avuto abbastanza tempo per vedere tutte le sue fotografie scattate, e che ci sarebbe stato sempre un negativo che non avrebbe mai potuto trovare (a causa dell’enorme volume di fotografie scattate).

Mi sono sempre chiesto se devo scattare molte fotografie o se devo essere più selettivo che posso durante le sessioni di ripresa per le strade.

Io spesso scatto molto nella street photography. Per esempio, quando scatto in digitale, faccio frequentemente 300–500 foto al giorno (senza problemi). Ora con la pellicola, ho diminuito un po’ (generalmente 1–3 rulli per giorno). 5–6 rulli se mi sento particolarmente ispirato (come nel mio recente viaggio a Istanbul).

Tuttavia non ero del tutto sicuro se stavo semplicemente sprecando il mio tempo facendo così tante fotografie, e non migliorando come street photographer (perché avrei fatto più fotografie del “necessario”).

Una citazione del mio amico Charlie Kirk mi ha veramente colpito:

“Nel dubbio scatta”

Ora quando sono fuori a scattare, spesso faccio almeno 2–5 scatti della scena che vedo (perché un piccolo cambiamento del gesto, della posizione o delle persone nello sfondo possono cambiare in una frazione di secondo). Se studiate i provini dei famosi fotografi potete vedere che non hanno fatto un solo scatto quando hanno visto il “momento decisivo”: http://erickimphotography.com/blog/2012/07/how-studying-contact-sheets-can-make-you-a-better-street-photographer/

Non solo Winogrand scattò molto, ma era anche sempre in strada. Le persone lo descrissero come irrequieto, e spesso tremolante vicino al suo posto (anche mentre stava seduto). Egli aveva un insaziabile urgenza di essere fuori a fotografare la vita intorno a lui.

Quanti altri fotografi come Winogrand fecero esattamente come lui nella loro vita? Facciamo due conti dando ancora una volta un’occhiata alle foto raccolte al momento della morte e a quelle raccolte nel suo archivio:

Lasciate dopo la sua morte:

- 2.500 pellicole non sviluppate = 90.000 fotografie

- 6.500 sviluppate (ma senza provini) = 234.000 foto

- 3.000 provini = 108.000 foto

- Totale: 432.000 foto

Nell’archivio di Winogrand:

- 20.000 provini = 720.000 foto

- 100.000 negativi = 3.600.000 foto

- 30.500 diapositive a colori = 1.098.000 foto

• Totale: 5.418.000 foto

In totale (e per difetto) possiamo esser certi che egli scattò almeno 5.850.000 foto nella sua vita. Morì senza vedere mai quasi mezzo milione dei suoi scatti (432.000 foto) e nel suo archivio egli ne aveva circa 5.418.000.

Quante foto (in media) scattò a giorno?

Bene, egli iniziò studiando al City College di New York e dipingendo e fotografando alla Columbia University a New York nel 1948 (all’età di 20 anni). Morì all’età di 56 anni. Quindi ha avuto almeno 36 anni di scatti.

Assumendo che scattò 5.850.000 foto nella sua vita (e scattò per 36 anni), ci vorrebbero 445 foto al giorno (o 12 rulli per giorno).

Nota: Ho appena ricevuto un commento di Blake Andrews che il numero degli scatti di Winogrand potrebbe esser stato minore, all’incirca di 1–1.5 milioni di foto. In ogni caso Winogrand scattò molto.

Come Michael David Murphy dice nel suo saggio su Winogrand, egli fu in assoluto ”…il primo fotografo digitale”.

Penso che sia difficile per la maggior parte di noi scattare 445 fotografie al giorno (12 rullini al giorno). Tuttavia penso che una cosa che possiamo fare è che con una quantità di volume, possiamo aumentare le nostre probabilità di ottenere immagini memorabili.

Naturalmente non possiamo semplicemente equiparare ciò che rende memorabile una fotografia di strada ad una equazione matematica, ma il mio punto di vista è quello che, al fine di scattare fotografie memorabili in strada, abbiamo bisogno di sottoporre a noi stessi molti “momenti decisivi”. In genere ciò viene aumentato spendendo più tempo per le strade a scattare e scattare molto.

Quindi, non mettere la fotocamera in modalità scatto continuo e fare decine o migliaia di fotografie al giorno (per amore di scattare molto) — cercare di essere intenzionali nelle fotografie scattate, ma non cercare di limitare se stessi in termini di numero di fotografie fatte.

2. Non esitate e seguite il vostro istinto

L’esitazione è una delle cose che uccide molti potenziali grandi street photographers. Potremmo vedere una grande scena svolgersi davanti ai nostri occhi, ma potremmo esitare per motivo o per l’altro (la persona è troppo lontana, si potrebbe arrabbiare con noi, non voglio essere irrispettoso).

Quando Winogrand voleva scattare in strada, non esitava nel fare i suoi scatti e avrebbe perseguito i suoi scatti. Come ricorda Mason Resnick nel suo workshop di due settimane con Garry Winogrand:

”Lui si guardava costantemente attorno, e spesso vedendo una situazione al di là di un incrocio molto trafficato. Ignorando il traffico, correva attraversando la strada per catturare l’immagine.”

Non sto sostenendo che tu sia imprudente e che sia investito dalle automobili mentre insegui momenti decisivi.

Tuttavia penso che una cosa che possiamo imparare da Winogrand è quella di seguire i nostri istinti e la nostra pancia, e fare i nostri scatti. Se una persona è troppo lontano, dovremmo correre (o camminare) verso di lui e cercare lo scatto. Se pensiamo che qualcuno si possa arrabbiare con noi per aver scattato una foto, dovremmo mettere da parte quelle idee e scattare in ogni caso. Se siamo preoccupati di offendere le persone, scattare in ogni caso, Se ci si sente in colpa dopo, si può sempre cancellare la foto successivamente (o non mostrarla a nessun altro).

3. Sorridere mentre si scatta in strada

Garry Winogrand scattò con un obiettivo 28mm per gran parte della sua vita, il che significa che per la maggior parte dei suoi scatti doveva essere abbastanza vicino ai suoi soggetti (o di fronte a loro). Pertanto Winogrand non era Henri Cartier-Bresson (che cercava di essere invisibile), ma era parte parte attiva dell’azione e immerso nella folla. Era ovvio che facendo foto in strada si rivolgessero a lui col dito irritati (si può vedere una clip di lui che scatta in strada qui).

Mason Resnick continua a riguardo della sua esperienza visiva di come Winogrand scattasse in strada:

”Incredibilmente, le persone non reagivano quando egli le fotografava. Mi sorprese molto perché Winogrand non faceva nessuno sforzo per nascondere il fatto che stesse in strada, facendo fotografie. Era notato veramente poco; nessuno sembrava infastidito.

Winongrand era catturato dall’energia dei suoi soggetti, e costantemente sorrideva o indicava le persone a cui aveva scattato. Era come se la sua macchina fotografica fosse secondaria e il suo scopo principale fosse quello di comunicare e di stabilire un contatto veloce ma personale con le persone che passavano.”

Le esperienze di Winogrand rispecchiano la mia. Quando giro per le strade, cerco sempre di farlo con il sorriso sul mio volto, e in generale faccio cenno alla gente dopo aver fatto loro una fotografia. Questo fa uscire un’aura positiva in cui le persone non si sentono sospettose nei vostri confronti che scattate fotografie.

Sono sicuro che ci sono stati molti momenti in cui le persone erano incazzate quando Winogrand scattò loro una foto, e avrebbero reagito in modo utile nei suoi confronti. Tuttavia ciò è inevitabile nella street photography e non si può evitare. Io non sono sicuro di come Winogrand avrebbe reagito, ma non ha è mai stato mandato all’ospedale da nessuno per essere stato aggredito fisicamente dopo aver scattato una fotografia.

Ricordatevi di continuare a sorridere mentre scattate in strada :)

4. Non scattare dal fianco

Garry Winogrand scoraggiava di “scattare dalla vita” (“shooting from the hip”) — come racconta Resnick:

“Provai la tecnica mimica di Winogrand mentre scattava. Sono andato vicino alle persone, ho fatto loro le foto, gli ho sorriso, proprio come il maestro. Nessuno si lamentava; alcuni ricambiarono il sorriso!

Ho provato a scattare senza guardare nel mirino, ma quando Winogrand lo vide, mi rimproverò severamente e mi disse di non scattare mai senza guardare. “Perderai il controllo sulla tua inquadratura”, mi avvertì. Non potevo credere che avesse tempo di guardare nel suo mirino e lo osservai attentamente.

Infatti, Winogrand guardava sempre nel mirino nel momento in cui scattava. Fu solo per una frazione di secondo, ma ho potuto vedere che lui regolava la posizione della della sua macchina fotografica un po’ e metteva a fuoco prima di premere il pulsante di scatto. Era preciso, veloce, in pieno controllo.”

Quindi durante le sessioni di scatto in strada, utilizzate il mirino (se ne avete uno). È possibile ottenere dei buoni scatti durante le riprese dal fianco, ma si avrà molto meno controllo sull’inquadratura e la composizione in strada.

In un’intervista che Winogrand fece durante alcune sessioni di Domande e Risposte a Rochester, New York, nel 1970 in cui fu menzionato lo “scatto dal fianco:

Moderatore: Bene, quello che le chiedo è scatta spesso senza usare il mirino?

Winogrand: Non scatto mai senza usare il mirino — Oh si, ci saranno poche volete — Potrei portare la mia macchina fotografica al di sopra della mia testa ma solo per ragioni fisiche, ma molto raramente faccio questo genere di lavoro”

Se la vostra macchina fotografica ha un mirino, usatelo — ecco perché è lì. Ho scattato spesso dal fianco quando ho iniziato (perché ero timido per scattare fotografie alle persone) ma ho trovato che era per me un impedimento. Quando ero davvero fortunato, avevo uno scatto decente, Ma la maggior parte dei miei scatti erano generalmente composti in modo molto debole, non incisi o sfocati.

Una volta che ho iniziato ad usare religiosamente il mio mirino, non solo la mia composizione e l’inquadratura sono migliorate, ma anche tutto i bordi.

Naturalmente se la vostra fotocamera ha solo uno schermo LCD (o non volete comprare un mirino elettronico per la micro 4/3 o per la compatta) non potete usare un mirino. Ma cercate di tenere a mente di scattare sempre con intento e concentratevi sull’inquadratura.

5. Non ritagliare

Un’altra cosa che Winogrand sosteneva (che anche Henri Cartier-bresson sosteneva) era di non ritagliare.

Come O.C. Garza racconta in un lettura di fotografie in aula che ebbe con Winogrand:

“Il resto del workshop ha seguito lo stesso schema. Ho girato come un pazzo per tutta la giornata (come la maggior parte degli altri studenti), ho lavorato in camera oscura fino all’alba, trascinai la mia pila di 8x10 di nuovo a New York da Long Island per la lezione delle 9:00.

Winogrand divise gli scatti buoni e i cattivi. Studiai le sue scelte, cercando di indovinare la sua logica. Alla fine ho capito che quando tutto il lavoro fotografico funziona — una risposta intuitiva a qualche cosa di visuale, non spiegabile a parole, gli piaceva. Se solo parte delle foto funzionavano, non era sufficiente.

Il ritaglio era escluso, lui ci disse di stampare a pieno formato così che “la qualità del problema visivo sia migliorato”. Winogrand ci ha detto di fotografare ciò a cui siamo legati, e di credere nelle nostre scelte, anche se nessun altro era d’accordo”.

Anche se il ritaglio può essere un ottimo strumento per migliorare le vostre foto, può anche essere un altro impedimento. Ho usato ritagliare un po’ le mie fotografie di strada (quando avevo uno sfondo disordinato o elementi di distrazione). Tuttavia, questo mi ha portato ad avere la mentalità di non ottenere la foto giusta “in macchina” così incominciai a pensare: “Se l’inquadratura non è buona, posso sempre ritagliare in seguito”.

Ancora una volta, cercate di ottenere la vostra giusta inquadratura in macchina — in quanto vi costringerà in strada a “ballare intorno” di più per ottenere uno scatto più coerente. Invece di scattare le persone su sfondi che distraggono, vi incoraggerà a girarci intorno fotografandole dietro uno sfondo più semplice (che distrae meno). Dovremmo anche andare più vicino ai nostri soggetti per comporre meglio, piuttosto che croppare.

Non sto dicendo che non dovreste mai cromare una fotografia (se guardate i provini di “The Americans” di Robert Frank — egli ritagliò molte delle sue fotografie), ma provate a farlo con moderazione e senza esagerare.

6. Staccatevi emotivamente dalle vostre fotografie

Winogrand una volta disse, “ Spesso i fotografi confondono le emozioni per cosa rende grande una foto di strada” Quando lessi la frase per la prima volta, Non ero abbastanza sicuro di ciò che volesse dire.

Per chiarire cosa volesse dire, torniamo alla lezione che O.C. Garza fece con Winogrand:

“Dalla seconda settimana, Winogrand ci confido e ci parlò del suo metodo di lavoro, che era poco ortodosso, ma non trascurato.

Non ha mai sviluppato una pellicola subito dopo averla scattata. Ha volutamente aspettato uno o due anni, così non avrebbe avuto praticamente alcun ricordo del momento dello scatto di quella singola foto.

Questo, affermò gli rendeva più facile un approccio molto più critico ai suoi provini. “Se fossi di buon umore quando ho scattato durante il giorno, allora se avessi sviluppato subito la pellicola”, ci disse, “avrei potuto scegliere una foto perché mi ricordavo come mi sentivo bene quando l’ho scattata, non necessariamente perché è stato un grande scatto.”

Potreste fare scelte migliori se ci si avvicina ai provini a freddo, separando la fase di editing dalla fase di scatto il più possibile”.

Concordo molto con questo sentimento di aspettare un lungo periodo di tempo prima di editare i vostri scatti. Una delle grandi novità del digitale (vedere le immagini istantaneamente) può essere anche una rovina. Anche Alex Webb ha parlato delle sue frustrazioni passando dalla ripresa con la pellicola Kodachrome per diapositive al digitale dicendo che non gli lascia abbastanza tempo per aspettare prima di vedere le sue immagini, e che ha rivisto le sue foto quasi “troppo in fretta” prima di essere emotivamente preparato per guardarle/editarle.

Pertanto quando stavo scattando in digitale, uno dei problemi che ho avuto è sempre stata la voglia di guardare le mie fotografie all’istante. Se stavo scattando per strada e scattavo una foto a qualcosa che pensavo fosse incredibile (diciamo una bambina con un ombrello rosso sopra una pozzanghera) potrei confondere l’emozione che ho provato con l’assunzione di ritenere che quella fosse una buona foto (piuttosto che la fotografia in se stessa).

Vorrei quindi guardare il mio LCD, gridare di gioia, correre a casa, post-produrre e poi caricarla direttamente su Flickr. Dopo qualche giorno sarei costernato nel vedere quanti pochi “favorits” o commenti abbia ricevuto lo scatto (in confronto al resto dei miei scatti), e sarei confuso perché lo scatto non era buono. Naturalmente, dopo un paio di settimane mi renderei conto che lo scatto non era “buono come mi ricordavo” e avrebbe difetti competitivi col passare del tempo.

Uno dei vantaggi che personalmente ho avuto dallo scattare a pellicola è quello che mi ha aiutato a prendere le distanze dai miei scatti. In genere scatto circa 50 rullini ogni mese di viaggio di fotografie di strada, e non le guardo per almeno un mese dopo averle fatte.

Quando finalmente riguardo le immagini che ho scattato, vorrei dimenticare di considerarne la metà, il che mi aiuterebbe ad essere molto più obiettivo durante il processo di editing finale (selezione).

Sia che si scatti in digitale o a pellicola, penso che tutti possiamo imparare da Winogrand aspettando prima di vedere o trattare gli scatti. Lasciate che i vostri scatti marinino come una bella bistecca, prendano aria come un vino rosso piacevole. L’attesa di un anno o due prima di vedere le vostre foto potrebbe essere un spinta, ma aiuterà sicuramente a dimenticare le immagini riprese ed essere più obiettivi quando riguarderete i vostri scatti.

Forse, se scattate in digitale, attendere alcuni giorni o qualche settimana prima di guardare gli scatti attentamente in Lightroom. All’inferno, si può anche fare un mese o più! Lo stesso vale per la pellicola.

7. Guardate ai grandi fotografi

Non ci sono fotografi che vivono nel vuoto, e certamente neppure Winogrand. È stato un gran fan di molti dei suoi contemporanei fotografi di strada (così come di quelli che sono venuti prima di lui).

Tornando indietro al workshop di Resnick con Winogrand:

“Egli ci incoraggiava a guardare ai grandi fotografi. Guardate stampe in gallerie e musei per sapere a cosa di buono le stampe devono assomigliare. Lavorate.

Winogrand raccomandò di guardare Gli Americani di Robert Frank, Immagini Americane di Walker Evans, il lavoro di Robert Adams e le fotografie di Lee Friedlander, Paul Strand, Brassai, Andre Kertész e Henri Cartier-Bresson.”

Anche in un’altra intervista con Image Magazine nel 1972:

“Moderatore: Guardi molti altri fotografi?

Winogrand: Sicuramente. Guardo gli altri fotografi.

Moderatore: Quali fotografi trovi interessanti?

Winogrand: Rapidamente, i primi che mi vengono in mente: Atget, Brassai, Kertész, Weston Walker Evans, Robert Frank, Bresson.

Moderatore: Ti piacciono per motivi diversi o c’è una ragione specifica?

Winogrand: Io ho imparato da loro. Posso imparare da loro.”

Winogrand discusse anche nella stessa intervista riguardo a come egli ebbe l’ispirazione di iniziare a scattare fotografie:

“Nessuno esiste nel vuoto. Da dove vieni? La prima volta che sono davvero uscito da New York come fotografo è stato il 1955 e ho voluto fare un giro per fotografare il paese. E con un mio amico di quel tempo, stavo parlando a questo proposito, un ragazzo di nome Dan Weiner. Non so se conoscete il suo nome. È morto ora.

Mi ha chiesto se avevo mai visto il libro di Walker Evans e ho detto no. Non avevo mai sentito parlare di Walker Evans. Ha detto, che se stavo andando in giro per il paese, avrei dovuto dargli un’occhiata al libro. E mi ha fatto veramente un grande favore.

E poi è divertente, ho dimenticato che in quell’anno venne fuori il libro di Robert Frank. Egli stava lavorando più o meno in quel periodo, ’55 o giù di li. E c’erano fotografie là, in particolare quella fotografia della stazione di servizio, da cui ho imparato molto. Voglio dire, spero di aver imparato, Almeno mi sento molto responsabile…”

Trarre ispirazione da altri fotografi. Vedere ciò che del loro lavoro risuona in voi, e prendere i pezzi e sintetizzare con la vostra fotografia. Sia che si tratti del soggetto della materia che scattano, la composizione e gli angoli che usano o certe tecniche che utilizzano.

Penso che sia pericoloso per i fotografi di strada mettersi in una bolla e non essere influenzati dalle grandi opere.

“Sei quello che mangi”. Consumare tonnellate di grandi libri fotografici, controllare altri blog di street photography e visitare mostre e biblioteche.

8. Focus su forma e contenuto

Un detto famoso di Winogrand. “Ogni fotografia è una battaglia di forma contro contenuti” e che “Una grande fotografia è sempre sull’orlo del fallimento”.

Egli fa un sacco di giochi parole nella sua citazione, non ho mai capito bene cosa volesse dire. OC Garza condivide la sua esperienza con Winogrand:

“Più tardi ho iniziato a vedere i fari venire verso di me. Se tutti gli elementi grafici si stanno unendo insieme, perché le mie foto sembrano ancora una merda? Studiando maggiormente il lavoro di Garry, ragionavo che non solo le sue foto funzionavano graficamente, ma mostravano qualcosa che stava accadendo. Avrebbe chiamato questo “contenuto”. Garry ripeteva spesso questa frase; ogni fotografia è una battaglia di forma contro il contenuto. Le buone sono sempre sull’orlo del fallimento”

Forma e contenuto sono le due chiavi che rendono memorabile una street foto. Consideriamo “forma” come la composizione, l’inquadratura e gli aspetti tecnici della fotografia. Consideriamo “contenuto” come ciò che sta accadendo nella fotografia (che si tratti di una vecchia coppia mano nella mano, un ragazzo in possesso di due bottiglie di vino, o un uomo che sta guardando attraverso uno spioncino).

Abbiamo bisogno sia in forma forte e il contenuto per fare una memorabile fotografia di strada — ma raramente ciò accade. Ciò è quello rende la fotografia di strada così difficile.

Sono sicuro che tutti noi abbiamo fatto fotografie di strada che quando le abbiamo scattate non eravamo abbastanza sicuri se erano buone o no. Mi piace chiamare questi i “forse scatti”. Ho un’intera cartella piena di questi, ma di solito sono forti in termini di forma, ma hanno un contenuto povero. Altri hanno un contenuto forte, ma cattiva forma.

Penso che sia quello che voleva dire Winogrand quando ha detto che “la grande fotografia è sempre sull’orlo del fallimento.” Ci sono molte cose che possono far fallire la nostra fotografia. Ma se siete abbastanza fortunati, avete abbastanza dedizione, e siete in grado di creare un’inquadratura ben bilanciata con interessanti contenuti si può fare una grande fotografia di strada.

9. Fatevi ispirare da cose al di fuori della fotografia

Credo che, per essere più originali e unici nella street photography, bisogna guardare al di fuori della fotografia per cercare l’ispirazione.

Winogrand condivideva lo stesso sentimento in un’intervista con Image Magazine nel 1972:

“Moderatore: ti senti di esser stato spinto in una sala da biliardo… Ci sono altre cose relative alla fotografia che non sono necessariamente altre fotografie? Con questo voglio dire, non hai mai avuto idee — non idee — la tua formazione si è mai ampliata da interessi anche al di la della fotografia?

Winogrand: Potrebbe essere così. Moltissimo. Lettura e musica e pittura w scultura e altre cose. Basket, baseball, hockey, ecc. Certo, si sa, si può sempre imparare da qualcun altro con una certa intelligenza. Penso, Spero”.

Consumare arte, libri, musica, pittura, scultura e cose al di fuori della street photography. Questo vi aiuterà ad ottenere un nuovo punto di vista nella vostra visione fotografica.

Per esempio Sebastião Salgado, uno dei più influenti fotografi documentaristi sociali e fotoreporter ha iniziato la sua carriera come economista, studiando il lavoro. Tuttavia dopo essere stato ai cantieri di persona, ben presto ha deciso di abbandonare l’economia (troppo concentrata sulla teoria) e ha scelto di perseguire la fotografia per mostrare più ciclicamente le condizioni di lavoro delle persone di tutto il mondo. Salgado ha usato l’esperienza esterna come economista, e la ha applicata alla fotografia in modo meraviglioso.

Ho iniziato con l’essere uno studente di sociologia presso la UCLA, e il mio interesse per la fotografia iniziò nello stesso periodo. Quando stavo cercando di pensare a che tipo di fotografia mi piacesse fare, ho capito subito che erano le persone in generale e le persone nella società che mi piaceva fotografare. Ora cerco di usare il mio interesse per la sociologia da applicare ai miei progetti di street photography.

Pensate a come le vostre esperienze e interessi personali (al di fuori della fotografia) influenzino la vostra street photography. Questo vi aiuterà a scoprire una voce molto più unica e vi aiuterà a creare fotografie che mostrano chi siete come persona.

10. Amate la vita

Nel libro sulla retrospettiva di Garry Winogrand pubblicato dal MOMA, l’ex curatore John Szarkowski scrisse una bella biografia della vita di Winogrand.

Una delle cose più importanti per me è stata la conclusione, in cui Szarkowski scrisse (recito vagamente a memoria) a riguardo dello stato di confusione che la gente aveva circa Winogrand (perché fece così tante fotografie se sapeva che non era visto da molte persone?)

Szarkowski scritto abbastanza eloquente come Winogrand era meno interessato alla fotografia, e più interessato di vivere e catturare la vita.

Penso che come street photographers tutti noi possiamo imparare la saggezza da ciò che Szarkowski scrisse, e dall’esempio di come Winogrand condusse la sua vita.

Come street photographers dovremmo sforzarci a scattare fotografie memorabili di persone e della società e di come vediamo il mondo. Ma non dimentichiamo che la fotografia è al secondo posto dopo vivere la vita.

11. Non chiamatevi “street photographers”

Garry Winogrand odiava il termine “street photographer”. Egli si chiamava semplicemente fotografo — ne più, ne meno.

Una delle cose più pericolose in merito alla classificazione di se stessi in determinati tipi di fotografi è che ci si incasella. Dopo tutto, Robert Capa avvertì Henri Cartier-Bresson:

“Non dovresti avere un’etichetta di fotografo surrealista. Se la avrai, non avrai un incarico e sarai come una serra riscaldata… L’etichetta dovrebbe essere fotogiornalista”.

Inoltre anche se Henri Cartier-Bresson è stato senza dubbio il padrino di “fotografia di strada” — non ha mai indicato se stesso come un fotografo di strada sia.

Naturalmente ci chiamiamo “fotografi di strada” per una ragione pratica. Dopo tutto, se si incontra qualcuno che ti chiede che tipo di foto fate — non si dice loro che siamo un fotografo di paesaggio o un fotografo di uccelli. Tuttavia può essere complicato dire loro “Oh, mi piace fare fotografie di sconosciuti per la strada, a volte con il permesso e, a volte senza permesso”. Chiamarvi “street photographer” è semplicemente più facile.

Tuttavia, anche all’interno della comunità della fotografia di strada, sono disponibili diverse sfumature. Ci sono fotografi di strada che si concentrano più sulla faccia, altri che si concentrano più sul “momento decisivo”, altri che si concentrano sulle nature morte, e altri che si concentrano su situazioni insolite o divertenti in pubblico.

Informazioni tecniche su Garry Winogrand

Di seguito ci sono punti su Garry Winogrand (sue pellicole, suo equipaggiamento, obiettivi) che mi piace condividere:

1. Winogrand scattò spesso le sue pellicole tirate a 1200 ASA

“Usiamo Tri-X tirato 1200 ASA, piuttosto che al normale 400. La ragione è che saremo in grado di scattare a 1/1000 di secondo il più possibile, perché se fate foto in strada a 1/125, saranno morbide. Se si segue qualche cosa, sia che si muova o il proprio movimento potrebbe far rovinare la foto. Ho iniziato a lavorare in questo modo dopo aver guardato le mie foto e notato che avevano bordi confusi, quelle di Garry erano incise”— via Joel Meyerowitz Da Bystander:. Una storia di Street Photography.

2. Winogrand scattò con una Leica M4, spesso con il 28mm

“Aprì la borsa fotografica, In essa vi erano due Leica M4, dotate di 28mm e decine di rulli Tri-X. Sulla parte superiore della borsa era coperto con delle linguette gialle. CI disse che scriveva le condizioni di luce sulle schede e le metteva nei rulli finiti così sapeva come svilupparli.”

3. Winogrand sperimentò differente lunghezze focali (21, 28 e 35mm, ma il più delle volte usò il 28mm)

Da una intervista:

“Moderatore: Nel suo saggio all’interno del tuo nuovo libro, Tod Papageorge parla del tuo passaggio, nel periodo 1960–1963, credo, ad un obiettivo più grand’angolare. È giusto?_

Winogrand: Si, ho iniziato a giocare con un 28 — da un 35mm_

Moderatore: Lei ha detto che ha reso i problemi più interessanti — è solo perché ci sono più cose di cui tener conto?

Winogrand: Certo, più o meno. Vorrei avere una lente che abbia tutto il mio angolo di visione, senza distorsione — questo fa venire il mal di testa con queste cose. In realtà, sarebbe la più interessante con cui lavorare. Il 28 è probabilmente la lente nella quale la distorsione è più limitata — molto meno di un 21. Ed è più vicino all’angolo di attenzione. È abbastanza vicino al mio angolo di attenzione. Probabilmente lo è anche il 21, ma è estremamente limitante. Bisogna usarlo molto attentamente.

Moderatore: Se si inclina soprattutto, si ottengono angoli molti strani…

Winogrand: Bhe non è una questione di inclinazione: in breve sei al centro delle persone, un po’ troppo vicino, si può catturare un’altro genere di sciocchezze che stanno accadendo, che fuori dal contesto. Alla fine, quelle immagini finiscono principalmente per essere ciò per cui la lente è fatta. Se ci fosse un 21 che non si comportasse in questo modo, probabilmente lo userei.

Moderatore: Scatti con qualcos’altro oltre il 28?

Winogrand: Si negli ultimi sei mesi sono tornato al 35mm, perché perché mi annoiavo guardando provini a contatto fatti tutti col 28! Così ho iniziato a giocare con un 35mm di nuovo. Non c’è nulla di molto complicato nelle mie ragioni!

Moderatore: Questo rende il problema più semplice allora?

Winogrand: No; riesco a renderlo interessante per me.

Moderatore: Pensi che tu stia mettendo meno nella tua inquadratura ora, con il nuovo obiettivo?

Winogrand: Veramente non lo so; Faccio solo fotografie e mi sembrano sempre le stesse. In realtà non saprei rispondere a questa domanda. L’unica vera differenza è, con un 28, uscire fuori quando accade, per esempio con una faccia, c’è molto meno spazio lasciato, con un 35. È una interessante piccola differenza. Nel momento in cui si torna indietro un po’, allora diventa una questione di quanto lontano si è stati. Quindi, con un 35 probabilmente stai andando più indietro, di solito. O si fanno le cose senza piedi… Io davvero non voglio guardare provini che sembrano gli stessi col 28. Anche se potrei farli con un 35, cambiando la mia distanza o qualsiasi altra cosa. Sto giocando in certo senso. È tutta una questione di non essere annoiati.”

Cose che potreste non conoscere di Winogrand

Famoso scatto di Garry Winogrand

Dietro la scena della sua famosa foto. Fotografato da Tod Papageorge. Photo di 2point8

Frasi di Garry Winogrand

Sotto ci sono una lista di frasi famose di garry Winogrand:

- “Le foto non hanno contenuto narrativo. Descrivono solo la luce sulla superficie”

- “I fotografi confondono l’emozione che provano quando hanno scattato la fotografia con l’immagine come il giudizio che la fotografia è buona”

- “Una grande fotografia è spesso sull’orlo di fallire”

- “Ogni fotografia è una battaglia della forma verso il contenuto”

- “Fotografo per vedere come il mondo appare nelle fotografie”

- “Mi piace pensare alla fotografia come un atto di rispetto bidirezionale. Il rispetto per il mezzo, lasciandogli fare quello che sa fare meglio, descrivere. E il rispetto per il soggetto, nel descriverlo com’è. Una fotografia deve essere rispettare entrambe le cose.”

- “Non ho nulla da dire in ogni fotografia. Il mio unico interesse nella fotografia è se c’è da vedere qualche cosa che sembra una fotografia. Non ho preconcetti”

- “Non vi è alcun modo speciale di come una fotografia dovrebbe apparire”.

Potreste trovare anche molte altre frasi di Garry Winogrand qui.

Garry Winogrand — Le donne sono belle

Una grande slideshow di foto dal raro libro “Women Are Beautiful” (e anche una gran musica):

Video su Garry Winogrand

Libri di Garry Winogrand

Sfortunatamente molti libri sono fuori catalogo

7 Lezioni che Sergio Larrain mi ha insegnato sulla Street Photography

Riporto la traduzione da me effettuata di uno degli ultimi post di Eric Kim, un blogger e bravissimo street photographer. Il post mi sembra un'esauriente risposta a molte delle domande sulla street photography oggi che mi sento di condividere partendo dall'analisi dell'opera di Sergio Larrain.

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Sergio Larrain è una figura nella storia della fotografia che non è ben nota, ed è un po' misteriosa. Ha scattato appena per più di un decennio, e poi ha deciso di proseguire un percorso di vita più "mistico” concentrandosi su yoga, meditazione, e si appartato dalla società.
Ciò che mi ispira maggiormente nella fotografia di Sergio è il suo senso di grazia e poesia presente nelle sue immagini.
Ho scoperto il lavoro di Sergio Larrain dal mio amico Yves Vernin; aveva un bel libro di retrospettiva su di lui - pieno di immagini poetiche ed anche alcune lettere personali di Sergio.
Non ho scritto un articolo “Imparare dai Maestri” nel frattempo - m mentre guidava l’autobus oggi, improvvisamente ho avuto voglia di fare qualche ricerca in più su di lui, e (si spera) rendere il suo lavoro un po’ più conosciuto.

La storia di Sergio
 

Secondo Sergio, egli studiò scienze forestali all’Università di Berkeley (all’età di 17 anni), la sua principale speranza era quella di vivere nel sud del Cile, in una delle più belle regioni.
Mentre era a Berkeley, lavorò part-time (lavava i piatti) e, finalmente, acquistò la sua prima Leica e secondo lui:

“Ho risparmiato i miei primi soldi …e ho comperato la mia prima Leica, non perché volevo fare foto, ma perché era l’oggetto più bello che si potesse acquistare (insieme ad una macchina da scrivere)… per la prima volta nella mia vita ho avuto i soldi per quello che volevo” - Sergio Lerrain, in una lettera ad Agnese Sire, che è stata per 20 anni all’editor desk della Magnum (a Parigi)".

Quando andò a Ann Arbor, Michigan (all’età di 19 anni) era “confuso” e “…ho deciso di cercare la verità” come un vagabondo. Mentre era lì, ha chiesto in prestito un laboratorio fotografico, e il fine settimana avrebbe ingrandito, sviluppato e imparato il mestiere della fotografia.
Da lì, ha viaggiato con la sua famiglia in Oriente e in Europa, e fece foto per un anno. In Italia scoprì le “arti visive” e “un’altra dimensione della fotografia”. La sua più grande ispirazione fu a Firenze, da un fotografo di nome Cavalli.
Quando tornò in Cile, visse in casa di un contadino (che affittò per un anno all’eta di 21 anni), al fine di essere solo e “…trovare se stesso”.
Durante questo periodo, aveva il suo laboratorio a Valparaiso, faceva fotografie, e ha descritto che “i miracoli iniziano ad accadere, e la mia fotografia è diventata magica.”

Col passare del tempo iniziò a sentirsi più insoddisfatto della società, e lottò per cercarsi un modo per guadagnarsi da vivere con la fotografia.
Così un giorno in preda alla disperazione, inviò una raccolta di sue foto in bianco e nero al Museo di Arte Moderna di New York, e Edward Steichen si offrì di acquistargli 2 foto per la collezione del museo (Sergio descrive ciò “come una visita della Vergine Maria”).
Ciò portò Sergio a iniziare a fare mostre, e alla fine fu accettato alla Magnum (quando Henri Cartier-Bresson vide le sue foto di ragazzi di strada, suggerì che lavorasse per la Magnum). Trascorse due anni a Parigi, lavorò per pubblicazioni internazionali, e costruì la sua autostima.
Tuttavia a circa 28 anni si era sposato e si sentiva in trappola, voleva vivere da solo. Questo lo portò a trasferirsi in campagna, e si ritirò nella sua “…isola di pace”.
Per il resto della sua vita, si concentrò sulla fotografia in bianco e nero, la pittura (che disse che gli mantenne il suo "occhio di fotografo"), e la scrittura. Si concentrò sullo Yoga, la "mistica" orientale, e inviò lettere d'amore ad alcuni dei suoi amici alla Magnum.
Sergio Larrain è scomparso a febbraio del 2012, all'età di 80 anni.

1. Rimuovere il velo dell’illusione dalla realtà
 

”La fotografia è solo una passeggiata nell'universo ... Il mondo convenzionale vela la vostra visione, per la fotografia si deve trovare un modo per rimuovere il velo." - Sergio Larrain

Amo questo punto di vista profondo e filosofico di Sergio Larrain. Trovo che anche per me, la fotografia è uno strumento per acquisire una comprensione più profonda della realtà. Non solo, ma la fotografia mi aiuta migliorare le cose viste nel mondo, piuttosto che essere solo un altro utente di smartphone distratto (costantemente collegato, con le cuffie e tutto il resto).
Trovo anche che uno dei migliori modi per pensare e meditare sia la "camminata di metidazione" - quando si scollegano le cuffie, e si gode solo di una passeggiata in una città o di un quartiere. Questo è ciò che è capitato quando ho iniziare ad avere idee migliori, e che ho avuto anche in una (rara) occasione di essere solo.
Ritengo inoltre che la fotografia sia tutta una questione di auto-espressione e di scoperta di sé. Più faccio foto, più imparo sulla mia personalità.
Per esempio, ho scoperto che ero interessato alla "street photography”, perché amavo la società, le persone, e interagire con gli altri. E più specificatamente - ho scoperto che "ritratti di strada" erano il mio genere preferito di fotografia; perché io sono un estroverso a cuore.

Punto importante
Quindi per voi, come si può usare una macchina fotografica come strumento per acquisire una conoscenza più profonda del vostro mondo e della vostra realtà? Fare fotografia aiuta a notare di più le cose nella vostra vita quotidiana? Quando siete in metropolitana, siete distratti dallo smartphone, o vi piace come uno ”Zen", osservare gli altri e pensare alla vita?
 

2. Liberiamo noi stessi dalle convenzioni
 

“Una buona immagine è creata da uno stato di grazia. La grazia si esprime quando si è stati liberati dalle convenzioni, liberi come un bambino nella sua prima scoperta della realtà. Il gioco è quindi quello di organizzare il rettangolo.”  - Sergio Larrain

Nella fotografia, uno dei modi per rimanere fresco è di abbracciare "mente del principiante".
Vi ricordate quando prendeste in mano la vostra prima macchina fotografica? Vi ricordate quanto eravate eccitati? Vi ricordate come ogni cosa era così interessante da fotografare?
Ma col passare del tempo e con l’acquisire competenze nel campo, la nostra visione diventa meno pura, meno curiosi e meno penetrante. Abbiamo lasciato che la nostra "mente esperta” offuscasse la nostra visione, e siamo diventati stupidi seguendo le convenzioni. Impariamo le "regole" della fotografia, e di conseguenza le nostre capacità creative diminuiscono.

Punto Importante
Quindi cerchiamo di prendere nota da Sergio Larrain e "liberiamo noi stessi dalle convenzioni". Sia la fotografia sia un viaggio personale verso di voi. Non è necessario ascoltare qualsiasi cosa le persone ti dicono di fotografia. Non esistono regole. Ascoltate solo la vostra stessa voce interiore.

3. Iniziate la vostra avventura
 

“Il gioco (della fotografia) è quello di lasciarsi andare, lasciare che l'avventura abbia inizio. Come una barca a vela spiega le sue vele” - Sergio Larrain

La Fotografia dovrebbe eccitarvi. Ogni volta che si va fuori e battere le strade, è un'opportunità per esplorare la realtà, conoscere nuove persone, e fare immagini che ci eccitano.
Spesso molte persone pianificano la loro vita futura - come sarà "un giorno" viaggiare per il mondo ed esplorarlo. Ma, purtroppo, il tempo si insinua in fretta, e la maggior parte delle persone non avranno la possibilità di realizzare i loro sogni e viaggiare e vedere il mondo.
Spesso in fotografia facciamo piani per l futuro. Facciamo piani su tutti i posti che vorremmo visitare, facciamo piani di progetti fotografici che vorremmo perseguire.
Tuttavia la cosa più difficile in fotografia è quella di iniziare solo a scattare fotografie. Abbandoniamo l’insicurezza di ritenere non abbastanza buona la nostra attrezzatura si insinui e la paura di scattare foto a sconosciuti senza permesso (o con il permesso).
Ma anche i marinai più esperti sanno che ogni volta che dispiegano le vele, il mare è incerto. Non sanno se andranno verso una tempesta, e che pericoli si troveranno di fronte. Un grande marinaio non può controllare l'acqua, le onde, o il mare - ma può guidare la sua nave al meglio. E conosce la direzione generale che ha in testa - ma il percorso è sempre incerto.

Punto Importante
Invece di lasciar cadere le vostre vele, accendendo la vostra fotocamera. Accendete la vostra fotocamera, guardatevi intorno, e fate della fotografia un’opportunità eccitante.
Non avrete bisogno di viaggiare per fare fotografie interessanti. Si tratta solo di esplorare la vita di tutti i giorni e rendere la vostra vita ordinaria interessante ed eccitante.
Indipendentemente se si vive in un sobborgo o in una noiosa città - ci sono sempre cose interessanti per voi da fotografare.
Non pensare troppo, basta uscire e fare foto.

4. Non forzare le cose / seguite il vostro proprio gusto
 

“Non bisogna mai forzare le cose, altrimenti l'immagine perderebbe la sua poesia. Seguire il proprio gusto e nient'altro. Sei la vita e la vita è ciò che si sceglie. Ciò che non ti piace, non guardarlo, non va bene. Tu sei l'unico criterio, ma guarda anche tutti gli altri”. - Sergio Larrain

Lo vedo ovunque - noi fotografi non ci sentiamo “ispirati” e abbracciamo questi progetti di fare foto ogni giorno per 365 giorni. Oppure pensiamo che l’acquisto di una nuova fotocamera sarà di “nuova ispirazione” per fare fotografie.
Fidatevi di me, trovo difficile rimanere “ispirati” e fare foto. Ma per ironia della sorte più cerco di sforzarmi a scattare foto, meno ispirato mi sento.
Credo che le mie fotografie preferite le abbia scattate quando non mi sentivo stressato. La poesia non dovrebbe essere forzata altrimenti non verrà dall’anima, e non sarà autentica.

Punto Importante
Il punto della fotografia è quello di migliorare la vita di tutti i giorni. Essere un grande fotografo non è il punto di arrivo della vita, il punto è quello di godersi la vita.
Quindi se la fotografia è aggiunta di stress nella vostra vita, perché lo state facendo? La fotografia dovrebbe essere un’esperienza gioiosa e piacevole. E non c’è bisogno di esser sempre a far foto.
Se vi piace leggere, leggere poesie o scrivere, sappiate che la fotografia è solo un altro strumento per godersi la vita.
E, in ultima analisi, se vi piace far foto fatele, perché vi dovrebbe importare ciò che altri pensano?

5. Sul modo di adattarsi al mondo commerciale
 

Una delle cose per le quali Sergio Larrain ha lottato è stata come fare a “vivere” di fotografia.
E ancora una questione alla quale molti di noi guardano oggi: dovremmo lasciare il nostro lavoro e perseguire la fotografia a tempo pieno? E se decidiamo i fare fotografia a tempo pieno, dovremmo solo fare le foto che amiamo? O dovremmo imboccare una via già commerciale e scattare matrimoni e fare foto di pubblicità?
In una lettera indirizzata a Henri Cartier-Bresson nel 1960, Sergio Larrain scrive i suoi dubbi (un anno dopo essere diventato un full-membro di Magnum):

“Caro Henri,
Grazie per la vostra breve nota. Sono sempre felice di sentirvi. Eccomi qui, per lo più a scrivere… facendo poche fotografie.
Sono perplesso…
Amo la fotografia come arte visiva… Come pittore amo la pittura e mi piace praticarla in quel modo… un lavoro che vende (facilmente) si adatti a me. È come fare poster per un pittore… al limite amo perdere il mio tempo.
La buona fotografia è difficile e richiede molto tempo per farla. Ho cercato di adattarmi da quando sono entrato nel vostro gruppo per cercar di imparare ed ottenere pubblicati… ma voglio prendere le cose più seriamente… c’è il problema dei mercati… di farsi pubblicare, di guadagnare soldi… sono perplesso come vi dico e vorrei trovare una via d’uscita di lavorare ad un livello vitale per me… non posso adattarmi più… così scrivo… così penso di meditare… in attesa di una chiara direzione che si sviluppi per me…
Arrivederci, con stima
Sergio”

Tre anni dopo, Sergio Larrain scrisse ad Henri Cartier-Bresson un’altra lettera, nella quale condivideva che l’unica fotografia che amava fare era quella non commerciale, e nello stile che amava:

“Cerco di fare solo il lavoro che mi interessa davvero. È l’unico modo per mantenermi in vita fotograficamente, e mi prendo tutto il tempo di cui ho bisogno. Mi mantengo in una pace lenta, con molto tempo per me stesso e per fare altre cose, e vedere come la fotografia si sviluppa… se continua a svilupparsi… faccio quello che voglio come voglio, mi sembra che la fretta del giornalismo - esser pronti a saltare su qualsiasi storia, tutto il tempo - distrugga il mio amore e la concentrazione per il lavoro”.

Punto Importante
Se si dispone di un lavoro a tempo pieno: consideriamolo una benedizione. Perché? Significa che la fotografia è sul lato delle vostre passioni. Se non siete dipendenti dalla fotografia per vivere, non avrete bisogno di fare foto che non vorreste fare.
Conosco un sacco di amici che sono fotografi di matrimoni o fanno fotografia commerciale a tempo pieno che sono totalmente bruciati dal loro lavoro commerciale, che non hanno l’energia o la passione per i loro progetti personali.
si consideri il lavoro di un operaio di 5-9 ore - si avrà tempo prima del lavoro, durante la pausa pranzo, dopo il lavoro per fare le foto di cui si è appassionati. E si potranno far foto nel weekend - non sarà necessario perder tempo a fare un lavoro commerciale che non interessa.
 
Contrappunto
Ma dall’altro lato, anche come fotografi pubblicitari o di matrimonio potreste rimanere fedeli ai vostri valori.
Conosco alcuni fotografi pubblicitari che sono molto più ostinati e scattano solo le pubblicità o i matrimoni che vogliono fare. E naturalmente questo costa loro alcuni lavori, ma alla fine si sentono più autentici verso se stessi. E alcuni dei fotografi di maggior successo (Mi viene in mente Dan Winters) lavora in questo modo. Forniscono solo foto di cui sono orgogliosi. Non cercano di compiacere il loro cliente, cercano di fare foto che gli piacciono, e cercano solo clienti che apprezzeranno i loro lavori.
Uno dei maggiori dibattiti filosofici delle persone è: dovrei fare lavori pubblicitari che piacciono ai miei clienti o che piacciono a me?  E non solo, ma c’è sempre ricorrente una domanda assillante: “Il cliente ha sempre ragione?”
Steve Jobs è stato un genio creativo che era un maledetto testardo. Aveva molto forte una singolare visione dei dispositivi tecnologici e ha fatto si che che gli altri si adattassero alla sua visione (piuttosto che lui adattarsi al mondo). E ciò ha lavorato a suo favore.
Penso che funziona in entrambi i modi: è possibile essere testardi e far si che il mondo si adatti a voi, oppure ci si può adattare al mondo. Si tratta di ciò che è il vostro stile personale.
- Se siete più testardi e ostinati; forse la strada migliore è quella di lasciare che gli altri si adattino a voi.
- Se siete più flessibili; forse la strada migliore è quella di adattarvi ai vostri clienti e al mondo intorno a te. 
Nessuno ha le risposte; dovete solo scoprire cosa funziona per voi. Fare quello per cui vi sentite autentici, e ignorate ciò che gli altri vi dicono.

6. Isolarsi creativamente
 

Come fa un individuo a rimanere creativo, e a non farsi “corrompere” dal mondo esterno?
Queste sono alcune domande che confondevano Sergio Larrain. Ha creduto che molti creativi hanno dovuto isolarsi, e rimanere fedeli a se stessi:
”Le persone che fanno un lavoro creativo, devono isolarsi, sono tutti eremiti, in un modo o nell’altro… Picasso avrebbe voluto vivere in un mondo di felicità, con i suoi figli e le sue donne come sapete… lontano dalla bruttezza e dalla tristezza”
Credeva anche che a volte, la creatività nasce da periodi in cui la società si è aperta alle novità:
”Ci sono periodi in cui tutta la società si apre al nuovo, come è accaduto nel Rinascimento, in Italia, e forse, in un certo periodo di armonia, in cui la società opera con la grazia e l'ispirazione, come nella Grecia classica“.
Sergio porta in primo piano un caso di Bruce Davidson; di chi crede persa un po' della sua magia creativa dopo aver iniziato a fare il lavoro commerciale:
“In Magnum lo abbiamo visto, con Bruce, per esempio. Quando era appena arrivato, era pura poesia, la sua gang di N.Y., e quello che ha fatto in quel momento. Ha ottenuto, da lì, un contratto con Vogue, NY., Mi ricordo, fece 4 servizi, nel corso di un anno, ottenne il denaro, e il miracolo se ne era andato, per sempre ... a volte è tornato, ma mai come all'inizio ... allora come si fa a tenere viva la luce?”
Sergio credeva anche che i più grandi geni creativi erano quelli che erano in grado di continuare a creare il loro mestiere, a beneficio della società:
“Verlaine viveva come un ubriacone, negli alberghi, nella miseria, ma continuava a essere un poeta ... ci ha dato la poesia, come un sole permanente ... pianisti ben addestrati, mantengono la qualità delle loro vite, con totale dedizione, e vivono delle creazioni dei compositori, che li preserva dal cadere …”
Sergio conclude credendo che gli artisti che erano felici e puri erano solo quelli che rifuggivano dalle convenzioni che portavano gli altri fuori strada:
”Non è facile mantenere la vita viva, non degradata da convinzioni, da convenzioni, da adattamenti … L’arte è vivere felicemente, in amore con la verità, con la purezza, non inghiottiti dalla meccanizzazione… Henri preservò quello stato per molti anni, probabilmente perché egli esplorava, scopriva con la sua macchina fotografica 35mm, ed aveva una buona formazione visiva (nella tradizione dei pittori francesi). ha dato tanto… aprì la fotografia per tutti… Weston fece lo stesso con il suo grande formato e i soggetti fermi… CI sono momenti di coincidenze, nella società quando una nuova forma appare e si manifesta attraverso qualcuno”.

Inoltre, significa credere nei miracoli e nella magia in Fotografia, e come dobbiamo essere aperti all’ispirazione (alla musa), e non cercare di controllare il processo artistico:
“Vedete, che nel nostro lavoro, di cacciatori di miracoli, abbiamo la felicità della magia, ma anche l’impossibilità di controllarla… dobbiamo essere aperti alla musa… suppongo che sia sempre stato così,  da quando il cacciatore in kayak andava per mare, non ha mai saputo se stesse andando a trovare una balena o un uragano… quando cerchiamo di controllare le cose completamente, la noia stabilisce il suo regno, e noi degradiamo… allo stesso tempo la vita deve essere preservata procedendo, sempre… ed è per questo che bisogna fare buon uso della ricerca della saggezza… Per mantenere questo miracolo della vita, nella felicità, tenerezza, formando i bambini, preservando gli anziani, ascoltando i vecchi…il momento eterno che è la realtà”.

Punto Importante
Credo che essere un artista è trovare un equilibrio fra imparare dai vostri coetanei e colleghi, ma rimanendo fedeli alla propria visione.
Il modo in cui sono stato in grado di bilanciare i due è stato quello di fidarmi del parere dei miei amici stretti e fotografi che rispetto. Se io rispetto il lavoro di un determinato artista o un fotografo, io rispetto il suo / la sua opinione molto di più di una persona a caso su internet.
Inoltre, credo che sia importante isolare creativamente se stessi per alcuni periodi. Se ci si disconnette dal social media e si prende una pausa dal caricare foto online, penso che è meglio per scoprire la vostra vera voce. A volte la tranquillità e la quiete sono necessari per non essere distratti da altri lavori che si stanno stanno facendo, e per concentrarsi sul proprio lavoro personale.

7. Evitare la fama
 

"Tragedia del fotografo è che una volta che si raggiunge un certo livello di qualità o di fama, vuole continuare e ottiene di perdersi completamente" - Sergio Larrain
Un detto romano dice: “più in alto ci siamo posti, più umilmente dobbiamo camminare”.
Si vede accadere tutte le volte - con attori, cantanti, rapper e artisti; più famosi diventano, più grande il loro ego diventa, e nel tentativo di rimanere famosi, si rovinano. Lo chiamano questo il "mostro fama" - guardate a tutte le persone famose e ricche che sono andati in bancarotta, che sono diventati dipendenti da droghe e alcol, e hanno rovinato le loro vite.
L'antidoto è quello di rimanere sempre modesti - e di sapere che più in alto si sale, più umile è necessario diventare.
Ho sperimentato ciò da solo - più famoso sono diventato, più ho lasciato la mia testa e l'ego si gonfiano. Più ego-centrico divento, meno ricettivo sono alle critiche costruttive, e più la mia fotografia ristagna.

Tuttavia una delle cose che ho imparato da mia mamma è di rimanere sempre umile, e non dimenticare da dove sono venuto.
Così onestamente oggi cerco di rimanere me stesso proprio come ogni altro blogger, ogni altro fotografo che sta cercando di fare foto per goderne da solo, e di godersi la vita.
Onestamente - più si diventa "famosi su internet", più stressante si può diventare. Ti senti come se hai bisogno di seguaci (sempre di più), likes, e "influence". Si inizia a confrontare se stessi con gli altri (più famosi) fotografi, e si diventa ancora più insoddisfatti rispetto a quando si era solo un dilettante che scattava foto per divertimento.
Non perdete mai il vostro entusiasmo infantile per la fotografia. Utilizzate i social media come strumento per collegare voi stessi con altre persone che la pensano come voi; non lasciate che vi rovinino la vostra vita.

Grazie Sergio

Penso che quello che in ultima analisi, amo di Sergio Larrain è il suo modo contemplativo e meditativo che aveva con la sua fotografia e con la vita. Ha combinato i suoi interessi nella filosofia orientale per guidare la sua vita artistica.
Al culmine della sua fama, si ritirò in una piccola e modesta stanza, e perseguì un percorso vero e proprio con se stesso. Quando si è sentito come chi ha iniziato a "vendere", ha preso una pausa, fece un passo indietro, e ha rivalutato la cosa più importante per lui nella vita (la meditazione, lo yoga, la pittura, la fotografia per se stessa).
La fotografia è uno strumento di auto-esame, e uno strumento per capire il mondo intorno a voi. Più penso a questo proposito, più la fotografia mi aiuta a filosofeggiare sulla vita.
Più divento esperto idi fotografia meno sono meno interessato a come fare foto migliori. Sono più interessato a come creare più significato e scopo alla mia fotografia. E queste sono domande personali che ci poniamo una volta che ci tiriamo fuori dalla "routine dei social media" di gusti / seguaci.
Quindi grazie Sergio per tutte le belle lettere, e dell'incoraggiamento ai fotografi a contemplare il motivo per cui facciamo le foto. È dimostrato attraverso il modo in cui hai vissuto la tua vita che si può essere autentici, felici, e vivere una vita significativa e creativa. Riposa in pace.
Sempre
Eric

Libro sulla retrospettiva di Sergio Larrain
 

Per saperne di più sul lavoro di Sergio e apprezzare le sue belle foto in bianco e nero, vi consiglio di prendere il suo libro retrospettiva: "Sergio Larrain”.

Tutte le foto: © Sergio Larrain / Magnum Photos.